• Releases 2006

Analysis. Overall, "Serpentary Quarters" is Space Rock from start to finish, but I very much doubt this remark is elucidative enough to complete the review right here and now:-), above all due to the narrowness of the term as such, since there is probably no end to the different forms and manifestations of that genre. Another reason to examine the album in detail would be this group's quite specific approach to the style they've chosen, and it's just the time now to mention that originality is one of the main virtues of their creation. There are five instrumentals on the CD, and most of them begin and develop similarly - exactly due to the fact that Tangled Edge have their own original vision of music. The opening number, Emerald Mound, starts off with spacey effects and related sounds, which eventually give way to bass, guitar and drums, the latter two instruments figuring more prominently, since it's the bassist who sets up the framework for his partners' improvisations, and inasmuch as he does so almost everywhere on the recording, his parts appear to be the most laconic, though never monotonous. (After reading the previous sentence, one may mentally exclaim: Then why did this reviewer call this music Space Rock, and not Space Fusion? The fact is that there are only rock improvisations on the album and none of them touches on jazz harmony.) On the other hand, Emerald Mound is the one track with a conspicuous melody, some guitar solos being nearly catchy. The music evolves slowly, yet steadily, above all thanks to the drummer whose amazingly inventive work with various cymbals, triangles and other percussion strongly diversifies the picture. In all, this accessible piece turns out to be a really apt introduction to the program. The consequent compositions are highly eclectic, despite the fact that the scenario is still the same (though I see I've already touched this matter - just with different words). Serene Procession and Beyond Elevation fluidly flow from one to another without a pause, in which is no surprise, since both are parts of one monolithic epic, Transcendental Virtue, whose total duration exceeds 35 minutes. Not counting that in the intros and outros of each of the parts, the music is never slow and, say, distinctly spacey. The density of the textures and the intensity of the arrangements steadily grow during the first five or six minutes, then reaching the height of intensity and eclecticism with a wall of blazing guitar solos and drums crescendos, to be maintained right up to the finale of each of the parts. A real culmination, however, awaits the listener on Beyond Elevation. Contrary to its title, most of this piece reminds me exactly of an endless elevation, the arrangements being even more dynamic, eclectic and edgier than those on the preceding piece, whose title though (Serene Procession) seems to be ironical as well. There is much phase shifting throughout each of these two. Although fast and rocking throughout, Daidalos Hunt is also a gem of a Space Rock jam and is another highlight - along with Beyond Elevation. The short piece The Seventh Tide is the one whose inclusion in the CD I'd call in question, to say the least. Performed by Ronald Nygard alone, this is a really strange combination of cycled loops (or similarly sequenced solos) and chaotic guitar sounds.

Conclusion. Although quirky, much of this music has quite a strong hypnotic effect, so psychedelic Space Rock would probably be the best overall definition for this, Tangle Edge's latest offering. Perhaps there is something transcendental in this stuff, but it's certainly not for meditation, demanding much attention on the part of the listener. If you like the earliest work of Hawkwind and Amon Duul II, but especially the first Djam Karet album "No Commercial Potential", you might be pleased with "Serpentary Quarters" as well.

VM: October 1, 2006

Analysis. So, the project's collective exploration of the depths of Space Rock is already eight years old. Being acquainted with their work, I can assert that Spirits Burning are, say, in their element on their new album too, the only significant difference between it and the preceding one lying in the fact that there are no real songs among the 16 tracks on "Found in Nature", the majority of them being purely instrumental. While Space Rock as such rules everywhere on the recording, the compositions are as if calling the listener to divide them into four categories - on the basis of their belonging to one or another of the genre's manifestations, and they indeed can be subjected to classification. Let's go? Then the first category would include pieces that are composed throughout (well, almost throughout, because the elicitation of spacey effects from synthesizers ensues not from a thought process), namely Darker Bows of Rain, Oak and Chiaro, all being striking for their strong symphonic component. Darker Bows of Rain is less diverse than its neighbors-in-style, but there is something transcendental in this tune, even though the music is centered on menacing low-pitched passages of synthesizer. Listen to it with headphones. The acoustic guitar- and the piano-laden Oak and Chiaro (respectively) are the works of symphonic Space Rock of the first water, very beautiful and resourceful alike, and only these two are totally free of any psychedelic features. Both are among the highlights of this disc, though the most compelling compositions are yet to be named. The second kind comprises a group of pieces whose music is half-composed and half-improvised. These are Ingredients, Raksasha-Loka, Blue Wings, Shadow Paws, Dolmen and Wilder Beams of Moon (please only take note that the musicians deal exclusively with Rock improvisations here). Unlike the aforesaid three cuts, none of these six sound like anything pronouncedly fresh, but the presence of influences does not diminish their pan-musical values. The longest track, Ingredients (9:23), opens with a set of spacey effects that 'fly' to the powerful drumming during the first two minutes. The remainder is one long Space Rock-meets-Indian Raga jam, which instantly evokes Gong's "You" and, just consequently, "Fish Rising" by Steve Hillage. Upon the first spin, you may find this composition to be overextended, but give it a couple more listens and you will be rewarded, since the music is abundant in hidden nuances. Personally I find Ingredients to be the second best track on this disc. The percussion-driven Raksasha-Loka is reminiscent of the first two periods of the Radio Gnome-era:-) Gong and has some sense of the exotic too. Well, excluding the finale, which, with its swirling synthesizer, fluid guitar, impulsive bass and groovy rhythm-section, sounds very much like late-'80s Hawkwind, which in turn is what the next two tracks, Blue Wings and Shadow Paws, suggest in their entirety. The two with some really hard elements in their construction, Dolmen and Wilder Beams of Moon are also notable for their relatively many changes in direction etc. On the other hand however, some of the movements are clearly spontaneous, the related textures being surely indistinct - psychedelia is the word. The third category includes pieces where the music is mostly improvised. Burning Bush, Variable Shades of Friendship, The Ancient Structure and Unrepaired Roads (the former three concluding the line of highlights) - each is genuine Space Fusion, especially bright jazz improvisations on the part of a saxophone and a violin. Full of efficient dynamic contrasts, Burning Bush is the most diverse and simply progressive composition on the album, displaying also the best ensemble work that can ever be found anywhere here. The other three are all built around violin passages, though Variable Shades of Friendship stands out for its Afro-aboriginal-sounding percussion in addition. The remaining three tracks, Your Last Call, Foghorns & Phantoms and Streetsweeping Sauce, are all ordinary space music. Well, the introductory theme of the former piece is an expressive and intense jam, but it's short, whilst later on there is nothing apart from the slowly droning synthesizer and those ubiquitous spacey effects.

Conclusion. Still nothing new in the field of Space Rock, from Spirits Burning in particular, but many philosophers say there is generally nothing new under the sun. To be less abstract, excluding the three tracks described last, "Found in Nature" is overall a strong collection of instrumental tunes reflecting multifaceted tendencies adopted within that genre, some being really transporting. Recommended to those preferring:-) to travel in space by means of such a universal carrier as music.

VM: November 13, 2006

Analysis. The album contains twenty-two tracks and, just as its title suggests, is a collection of Lucio's all-time favorite musical pieces. Almost all of them represent the maestro's solo performances on classical guitar, the only exception to this rule being Life of Agony, on which he is joined by the flautist Danilo De Luca and which is definitely the most sonically saturated. Fifteen tracks are covers (rather, precise reproductions) of the creations of Classical composers from the XVIII and XIX centuries, ten of them written by Fernando Sor, that fact immediately disclosing Lucio's secret:-) concerning his most beloved composer. Three more pieces from the said category issue from Johan Kasper Mertz's pen, and the remaining two being credited to Antonio Lauro and Napoleon Coste. Marked with distinct signs of European classicism, all fifteen of these surely remain nothing else but pieces of Classical music - only executed on classical guitar (a style and repertoire itself 'invented' by the maestro Segovia in the early 20th century). The only representatives of the present on this recording are Steve Hackett and signor Lazzaruolo himself. The two compositions by Mr. Hackett, Tales of the Intervals and Horizons, and the four by Lucio, Life of Agony, A Pagan Place, Half-human Town and Grotesque, all follow the traditions of acoustic guitar music established in the Art-Rock genre. Finally, there is also a rendering of a traditional English song, Scarborough Fair, which is the one somewhat-catchy tune in the collection, undoubtedly owing to its folk origin. I am sure that the process of making the album as such wasn't long, and that the prepared material could've been recorded very quickly. In reality however, the recording sessions stretched out from 1998 and 2004, so it's clear that Lucio didn't have the opportunity, say, to do it all at one sitting, but was forced to visit the studio only when time permitted. In any event, I was not entirely surprised by this material. Having always respected Lazzaruolo for his ability to free-and-easily manage any kinds of guitars and keyboards, I took "My Favorites" as just another example of the stunning mastery of this classically trained musician.

Conclusion. If you are an experienced Prog head, this stuff will not be something sealed with seven seals for you. The specificity of the compositions, Lucio's filigree performance and the excellent sound quality of the recording make his "Favouites" one of the most remarkable efforts in the field of acoustic guitar music today. Recommended to those liking Steve Hackett's "Momentum" and "Bay of Kings", similar creations by Anthony Phillips and, of course, Classical music.

VM: November 12, 2006

Analysis. "Nightmare in the College" was recorded live at the Visual Arts College's music hall in Osaka on March 14, 2004. Among the seven instrumentals that form the content of this recording, the first and the last two tracks, New Song-2, Return of Doyo Wide Gekijo and Atlantis, have their studio counterparts on Group Therapy's debut outing, while Melatomania, Ajimarikan and Saniwa are from the second disc. The remaining piece, A Fortuneteller's Life, is a new, previously unavailable composition, standing right in the center of the CD's track list. The ensemble guides the listener throughout the 64 minutes of the concert without decreasing their executive fervor, their playing being both lively and stylish. What instantly comes to my mind when I listen to "Nightmare in the College" is that this live recording by Group Therapy has a massive polymorphous sound, which is not in the least inferior to the one typical of their studio creations and, at times, even surpasses that. Why? Due to the appearance of the seventh member (violinist Kanemoto), and also because Hiroyuki actively uses guitar synthesizer, as a result of which most of the 'nightmarish' tracks appear with a kind of solid keyboard pillow as their background. Only the first two compositions, New Song and Melatomania, evoke the group's debut effort and, thus, some well-known performers as well. That being said, this is music where the seriousness of Weather Report, Miles Davis or Modern Jazz Quartet adjoins the melodiousness and the accessibility of Yellow Jackets or Duke Ellington (whose Caravan can in some ways serve as a reference point, by the way). Each contains quite a few recurrent themes and is rich in traditional jazz tricks in general, the swing component being much more distinct than the rock one. I don't mean these are uninteresting compositions, not at all. They're just less progressive than the others. Anyhow, some monotony of their thematic (but not rhythmic!) lines and, hence, the predictability of most of the arrangements in general are very well compensated for by their melodic saturation, as well as by the musicians' professionalism. The interaction between the band members seems to be realized on a telepathic level, so the notorious 'good chemistry' will instantly be noticed by anyone with interest in Jazz. Ajimarikan and Saniwa, whose stylistic picture ranges from intense and driving Jazz Rock to a more atmospheric, yet still highly eventful Space Fusion, are killers, from any standpoint. Both suites are abundant in subtly-changing rhythmic patterns, a kind of jumping through non-conventional intervals and many other attributes of complex Progressive. The music is filled with a sense of drama and is often pronouncedly dark, only the brass occasionally revealing contrastingly affirmative trills. The discipline that the musicians demonstrate here is atypical of jazz groups, the tight work of the rhythm section, the directional interplay between guitar and electric violin, the refined quasi improvisations of saxophone and trumpet and the steady, logical development of the entire picture all speaking well in favor of defining this music as genuinely progressive Jazz-Fusion. Well, some 'swings' can be found on these two as well, but these originate not from Afro-American polyrhythmic structures, but from the traditions of European polyphonic music, which allow the listener to watch the movements of several layers simultaneously, which in turn is what we probably most of all value our beloved genre for. By the way, Saniwa would have well suited the concept of Doom Fusion if such had existed. On each of the remaining three pieces, A Fortuneteller's Life, Return of Doyo Wide Gekijo and Atlantis, 'transporting' aurally-mysterious Space Fusion landscapes dominate over the Jazz-Rock textures. Every note is adjusted; all rhythmic and harmonic constructions are transparent and, therefore, will be intelligible to any connoisseur of progressive music. The numerous sections of Atlantis appear to be fully organic, so that the epic's division into several conventional parts is totally justified. In the end, the last five tracks (with a playing time of just under 50 minutes) turn out to be excellent in all senses, each representing a luminous realization of what was intended during composition - a perfect combination of exquisite taste and precise execution. Hiroyuki's unique style, which combines the hardness of Rock with the flexibility of Jazz, allows me to regard him as one of the brightest phenomena to appear in the world of guitar music in the last ten years. I can only slightly regret that Group Therapy's most symphonic (and in my view best) piece, Incident in Damask, was not included in this set.

Conclusion. Having collected together his jazz experience, his vision of Rock and the traditions of intellectual progressive music along with first-rate performances by his band mates, Hiroyuki Kitada has achieved a great success with this live album, showing the entire spectrum of the creative possibilities of his brainchild, Group Therapy. This is clever, intensely designed and excellently embodied Jazz-Fusion, rich in hidden nuances, the finding and solving of which will bring great delight to any experienced listener. Much thanks and kudos goes to Mauro Moroni for having issued this disc.

VM: September 28, 2006

Analysis. The CD booklet says the material was recorded live in the studio. However the applause that meets the coda of each composition is loud and numerous enough to suppose the band performed before an audience of 20, at least. Well, it doesn't much matter; perhaps there is a tiny club in that studio. In any event, the album's sound is good for a live recording. As to the music, already Altair's lineup configuration can be quite eloquent in this respect. Indeed, the overall appearance of their music is quite typical of keyboard trios performing Prog Rock, but does this sound exhaustive for you? Even my familiarity with their past creation was not always of help when I listened to their new offering, which turned out to be rich in surprises. The band's founder, leader and primary songwriter Alfredo Arcusa (please note he is a drummer) is a top-notch musician, still shining with performance mastery as ever. However, it's in many ways thanks to newcomer Emilio Ruiz that "III" shows a solid improvement in comparison with either of the group's previous two CDs. Emilio is a much more competent and skilled musician than Isabel Muniente who was responsible for the keyboard department prior to him. The album contains seven instrumental pieces ranging from 7 to 11 minutes, and even those in Altair's traditional style are better than anything I've heard from them before. These are the first two and last tracks, Summer Triangle, Al Abordaje and Placido Paseo. The album's opener is good, and is diverse and complex enough to be appreciated, and yet I find it to be my least favorite track here. It's a bright example of intense keyboard-laden symphonic Prog of a classic model (although they use exclusively modern synthesizers), which on the other hand is also its weak side. The influence of Cozy Powell-era ELP touches each of the three, but here, on Summer Triangle, it is evident practically everywhere. The idiom is widespread on the other two as well, but there also are a couple sections of symphonic Space Rock on each, and these are free of derivative features. Alfredo's little benefit performance (drum solo) closer to the finale of Placido Paseo is quite appropriate there. The four core tracks run about 36 minutes and are not only free of any cliches, but also reveal plenty of brave and unexpected decisions, each featuring piano apart from synthesizers, plus sounds that imitate those of Moog and Hammond, in places. Remarkable quasi Jazz-Fusion arrangements with piano improvisations to the fore are an important part of both Estrella en el Camino and Tiempos Dificiles, although the latter is basically a blend of Space Rock and classically inspired symphonic Progressive. Very good stuff. Nonetheless it is the longest two pieces, El Bosque Encantado and Tal Compo lo Oyes, that most of all embellish the album. Even Art-Rock-related maneuvers are highly impressive, abundant in complex stop-to-play movements and intricate measures. Most part of each however, concerns directly the Jazz-Fusion genre, all three of the musicians providing genuinely improvised solos, not only the pianist.

Conclusion. "III" is a strong comeback for Altair and is undoubtedly their most accomplished and tasty effort to date. The album's potential audience might embrace fans of ELP, Carl Palmer Band, Triumvirat, Greenslade and Colosseum, plus those into keyboard-laden Art-Rock and Jazz-Fusion in general.

VM: June 8, 2006

Analysis. "Opus" includes six quite long songs ranging from 7 to 10 minutes and two shorter instrumental pieces. On each of the tracks involving lyrical content The Yleclipse continue developing that successfully applied formula of blending Marillion's influences with their own achievements in the field of Neo Progressive which has become their trademark sound since their debut CD "Prime Substance". However two of such, A Crown of Gold and Glorious, reveal rather too many derivative features, some of the central themes and keyboard solos very strongly resembling those from Marillion's blockbusters, Incommunicado and The White Flag, respectively, and Alessandro Guerriero's singing is almost indistinguishable from Fish, throughout. The other songs are much more original, particularly Reality Show, In the Park and Opus, whose instrumental canvasses are free of direct influences, to say the least. Besides, on the first two of these Alessandro uses mostly his innate voice qualities. Well, the title track finds his vocals steering somewhere between those of Fish and Phil Collins. In the Park is probably the most theatric, the long introductory theme having some piquant flavor of old-fashioned music common to Queen or Electric Light Orchestra. The title track is almost in every respect close to the songs next described, and is somewhat inferior to them only in diversity. The Tale of the Black Cloak and Reality Show are the two most complex and intriguing pieces on the album, with strong driving guitar work through much of each, delving into more of a Prog-Metal sound in places. However, only Reality Show remains original throughout. The Tale of the Black Cloak sounds fresh and exciting down to the finale, but then, unfortunately, the band pays another tribute to their mighty benefactor. Nonetheless these two are among the works that raise "Opus" far above an average Neo Prog release, the others being the title track and the two instrumental pieces, Sailing to Caralis and Carol. Both are built around passages of classical guitar and those of synthesizer imitating the sounds of flute and harp, arousing quite vivid associations with the music of medieval minstrels.

Conclusion. While not something groundbreaking, "Opus" is nevertheless a really strong album in its genre category, full of rich textures and contrasts, with elements of classic Art-Rock and Prog-Metal. Part of what appeals to me in this recording is the ample use of piano and string pads over the more electric textures. All in all, this kind of music has always had an invariable success among most of those comprising the Prog Rock audience for the last twenty years, at least.

VM: May 26, 2006 da PROGRESSOR

Analysis. "Careful!" includes three songs (with English lyrics), three short and four long instrumental compositions, one of which contains wordless vocals though. As you can see above, nominally this recording features the performance of seven musicians. In reality however, the participation of guests is quite limited. Keyboards are present on a few tracks, but in most cases they stay in the background, serving as a kind of softening pillow for 'savage soloing battles'. The saxophone appears just as the curtain falls - on the closing number Hypnopotamus. Bassist Carlo Barreca switches over to flute from time to time, but not for long and not on all of the tracks either. But while the album isn't too rich in distinct symphonic colors, much of the music is astonishingly warm, and the sound is full of some indescribable sincerity, which I normally feel mainly only when listening to '70s Prog. The compositions featuring lyrical content and instrumental bits are all gathered in the first half of the album, usually alternating with each other. Although those of the latter category are very brief, the first two of them, Babylon and Shareful, don't seem to be underdeveloped at all. Both have a full-band sound and are very cohesive compositionally. Based on the inventive interplay between bass, acoustic guitar and synthesizer developing alongside the narration and delicate drumming, Babylon reminds me much of a musical fairytale and is an excellent introduction to the album. Shareful is an effective duel between acoustic guitar and its electric counterpart accompanied by the cannonade-like rhythm section. The longest song, Share Your Suicide, ends with a flute solo surrounded by random effects and, say, human noises, which for some reason are placed on a separate track, which in turn is the last instrumental fragment, La Cittadella. Although differing on many levels, all three of the songs, Dream No-3, Eight Days and Share Your Suicide, are striking for the elegance of their melodic lines and are the last three tracks with the acoustic guitar being an integral part of the picture. The mellow Eight Days is the one that is rich in vocals. However, Vittoria Mezzano's singing is so beautiful and charming and the themes themselves are so fresh and tasty that I can listen to the song again and again, being positive it will never bore me. Dream No-3 begins as a festival of acoustic instruments (classical and slide guitars, flute, and, surely, Vittoria's voice), but evolves unexpectedly, undergoing several stylistic conversions before finishing. Still, the acoustic guitar plays an important part throughout, its involvement in harsh-and-heavy arrangements imparting an unusual sense of fragility to the stuff. The largely instrumental Share Your Suicide can in all senses be viewed as a broadened version of Dream No-3. It is much more unpredictable in its development and is full of undercurrents. Due to their highly original nature, many compositions on the album defy straightforward definition, this epic included, but I believe it's within my grasp to name its separate stylistic components - at least those most obvious. These are guitar-laden Prog, Space Rock (of many colors and shapes - atmospheric, symphonic, harsh and what I would describe as an astral trance), heavy progressive music and psychedelia. The longer instrumentals, Polipetide, Latin Circle, Careful and Hypnopotamus, follow one another below the album's conditional equator, all characterized with a more electric, electrified and dense sound all at the same time and displaying that their makers still could not completely get rid of their primordial passion for improvisation, though in this particular case they deal exclusively with Rock improvisations, which have nothing to do with those we normally relate to Jazz. In a certain degree, all the aforementioned stylings are typical of these four too, but it's the concept of a structured Psychedelic Rock that most often comes to my mind when I listen to them. Polipetide, Latin Circle and Hypnopotamus are complex compositions, frequently changing their thematic and stylistic configuration, though on the other hand, each is just one ever-morphing jam, whose instant attractiveness lies beyond my understanding and will be a pleasant surprise for the novice Prog lover and those grown wise with experience alike. Most of all however, I am impressed with the title track, which exceeds 10 minutes in length and is an unbelievably picturesque thing, full of swirling, breath-taking events. Regardless of changes on the stylistic level, the music steadily gets more and more disturbing and anxious, the evolution of instrumental canvas being inseparably linked with that of Vittoria's voice lines, which undergo many dramatic transformations during the composition - from an unintelligible nervous whispering through a desperate weeping to a really terrible chilling scream in culmination. Drama is the word. Very naturalistic. It needs to be said that the concepts of magic and hypnotism are applicable to most, if not all, of the tracks on this material (not counting the very short ones).

Conclusion. Fungus is a band whose creation is as if destined to unite listeners of very differing tastes, but I fear it's impossible nowadays, and only those from the Prog Rock community have a real chance to appreciate the album. But if "Careful!" were released some time in the mid-seventies it could have had success comparable even with that of Pink Floyd's "Dark Side of the Moon", especially since the existence of spiritual (perhaps not only spiritual) kinship between these works is beyond question.

VM: May 25, 2006 da Progressor

Analysis. "On the Aftertaste" is definitely the best collection of unreleased tracks I've ever heard in my life. Furthermore, this material is as strong and impressive as any other Apogee album - honest! None of the tracks that form its content is a makeweight. Quite the contrary, this set includes only excellent compositions and masterpieces. The lyrics are sophisticated and well match the profoundness of the music itself. The long epic suites On the Aftertaste and Falling To Pieces are perhaps just a bit more compelling than the other tracks, and only due to their more than merely large-scaled instrumental palettes with a distinctive '70s feeling, though the latter factor is quite typical of the entire album. Here is another interesting detail. "On the Aftertaste" seems to be the most cohesive Apogee album, as all six of the compositions are wholly submitted to the laws of a single style, which is symphonic Art-Rock with elements of Classical music, and each can be used as a textbook example for the idiom. Although performed by a single man with the use of numerous overdubs, the material has a saturated, almost genuine full-band sound, save that of electronic drums, which nevertheless is never monotonous and boring. The music is both symphonic and dark, embellished with acoustic guitar and piano, regular shifts of tempo, mood and dynamics. A rich collection of sounds of various chamber, string and woodwind instruments, as well as those of analog keyboards (Mellotron, ARP and Hammond), is well employed throughout, at times creating grandiose orchestral arrangements, which best of all are evidenced on the longer tracks - the two aforementioned compositions and both semi-epics, Possessed and Don't Take It Bad. While being relatively short, the remaining two songs, How Could I Stop and Hibernation, reveal enough trademarks of the classic symphonic Art-Rock genre to be defined the same way as the other tracks, instead of being referred to Neo.

Conclusion. Those appreciating the other albums by Apogee and the project's creations in general will definitely be happy to have "On the Aftertaste" in their collection. On the other hand, I believe this magnificent opus will satisfy any lover of Symphonic Progressive.

VM: May 1, 2006 da Progressor

• Releases 2005

Some questions to HUGO FLORES

1) How did SONIC PULSAR adventure begin?

We started back in 2000, just after I released my first album “Atlantis”.
I met Carlos in school when I was living in Brussels, Belgium. We started playing the guitar together and by that time I was already writing a few songs. Between 1996 and 2000, I continued composing and finished a few CDs, of which the last one, "Atlantis", was published by a US label. Carlos contributed to this album with some lyrics. In January 2001, we decided to work together as a band, whilst not giving up my solo career. Actually this project began when Carlos presented me a melody, which was then recorded for, and became the song “Sonic Pulsar” featured in our debut cd “Playing the Universe”! Carlos had this melody for about 6 years (!) and it was only brought to life in my studio..
Nuno Ferreira joined the project, and played the amazing bass section on "Out of Place". Nuno is also a great guitar player, however he wanted to expand his knowledge, and began playing the bass and having regular jazz lessons, which could only be a good thing!

2) Who are the artists that inspired you?
A lot! Personally I am currently listening to a lot of Ayreon, Threshold, Devin Townsend….. Basically this new kind of great progressive rock/metal music. Anyway, these are my other influences: Dream Theater, Rush, Vangelis, David Arkenstone, Steve Vai, Pink Floyd, Bjorn Lynne, Tori Amos, The Moody Blues, Yes, among many others...

Carlos Mateus is more on the classic rock, metal and grunge area: Alice In Chains, Dream Theater, Pink Floyd, The Gathering, Iron Maiden, Black Sabbath, Soundgarden, Steve Vai, Joe Satriani, Pearl Jam,...

Nuno is the jazz guy: John Patitucci, Marcus Miller, Victor Bailey, Dave Weckl, Chick Corea, Herbie Hancock... Jazz in general. Dream Theater, Rush, Joe Satriani, Eric Johnson,...

So, we are 3 musicians, somehow with different approaches to music and different tastes in genres. Although I don't like to catalogue bands, our music could be classified as progressive rock or metal, with a strong incidence in ambience and airy atmospheres. With Nuno, we also introduced a "Jazzy" feel to a few songs, for example on “Schizophrenic Playground”. Personally, I enjoy a full, melodic and intense sound, punctuated by a strong bass presence. Something to be felt!
So, to sum things up, our music is very unique and varied. But if you're into more elaborate music and enjoy rock mixed with strong synths and a glimpse at other genres, then you will definitely enjoy Sonic Pulsar.

3) How is the progressive situation in Portugal, have you contacts with
other bands?
Unfortunately, it could be much better. Progressive rock is actually an underground movement, but I guess that it’s the same with most countries nowadays. However, the expanding Internet usage was also responsible for the current ascension of prog music, especially due to the large quantity of related sites. In recent years, this movement grew a lot. It was never forgotten, only asleep for a while, I think.
Anyway, in Portugal, there are great bands such as Forgotten Suns, Unified Theory, Tantra, Miosotis, among others.

And yes, I’m in touch with most of these projects and bands because I just started a new project called “Project Creation” which is going to be a big big event! It gathers more than 6 musicians from the Portuguese prog scene. Among these great musicians, there is the vocalist from Forgotten Suns (Linx), Carlos Bateras on Drums, Paulo Chagas from Miosotis on flutes and sax, a great female vocalist, among many others…
I’m even going to produce a film/clip (all in CG/3D), to tell the story of Creation! It’ll cost me a lot, but I’m more interested in making what I enjoy than anything else

As I mentioned, I believe it’s not the best of moments for music, in general, in Portugal. I'm really disappointed because the labels are concentrating mainly on making fast money, and investing on bands that only last for one year. But we do have a few truly fantastic progressive bands, as I mentioned. But there is also a LOT of independent work that is just mind blowing (musically and technically). It's a shame that the true talented musicians are forgotten. But there are exceptions, and the response given to us by record stores (physical and online) has been very positive, which means that our music really has potential. This is a great stimuli to us, and that's what's important: good reviews, places to put our cds and excellent sites that really enjoy what they do, not caring about trends or money, and promoting the best they can!
Abroad, things look much much better, and the response given to us by prog reviewers, mags and labels is very good. A special “thank you” to Mellow and Mauro for the release of Out of Place. I think that this cd really deserved a good release by a good label, and we hope to continue to work with Mellow.

4) Don't you think that it's time to play live to let the band being known
on stage?

Actually, to be totally honest, I mostly enjoy to compose, and the same happens with my fellow musicians that prefer to create/compose, record and do the best job here. Just like a writer that creates books, but doesn’t go on the road to read it, I do the same with music. I’m aware that playing live could bring more fans, and energize Sonic Pulsar’s music, but it’s also very difficult to do so due to the complex logistics, and it takes so much time, that it would be virtually impossible for me keep track of my 3 projects (and more) that I have in hands…
So, I guess every project I start, Sonic Pulsar, Creation, my solo work, etc… will be based on studio work, and album releases, a bit like Ayreon, if you would like to compare. The good thing here is that we will spend a lot of time carefully crafting each release, so that it may be more than a mere album.

Well, hope you all enjoy “Out of Place”. It’s been a pleasure to compose it and record it. It was hard work indeed, but the final result is even better than we were expecting!

A new supergroup led by the famous Fabio Zuffanti with a fantastic female vocalist. Hard to describe the music: imagine Karnataka, Mostly Autumn or October Project but with a deep italian symphonic sound. A real masterpiece.

Alcune domande al "Maestro":

1) Aries è il tuo ennesimo progetto, quali sono state le esigenze musicali da esprimere con questo nuovo moniker?

Da anni volevo realizzare un progetto con una voce femminile per ricreare certe atmosfere care al folk/sinfonico inglese. Avendo composto da molto tempo il materiale che ora ha trovato spazio sul disco e collaborando con Simona realizzare un cd da questo connubio mi è sembrata la scelta naturale.

2) Aries mi sembra tra i tuoi album uno dei più riusciti, un perfetto connubio di una certa musica oggi abbastanza popolare nell'ambito progressivo con vocalist femminile (vedi Mostly Autumn, Karnataka, October Project) costruita però su una base sinfonica tipicamente italiana. E' stato un progetto nato per esaltare le qualità canore di Simona o era qualcosa pensato in precedenza e realizzato quando hai trovato la voce perfetta per il progetto?

Come ho detto sopra il progetto è nella mia mente gia da parecchio tempo ma sicuramente trovare una cantante con le qualità e le potenzialità di Simona è stata la molla che ha fatto scattare il tutto. Il 50% della nascita di questo progetto è merito suo e sicuramemte in futuro sarà più protagonista anche a livello compositivo.

3) Pensi che ARIES sia un progetto eccezionale ma occasionale o pensi ci potrà essere un seguito? Sono ipotizzabili esibizioni live?

Credo che il progetto avrà un seguito, al momento non so quando, ma lo avrà. Riguardo a date live sicuramente organizzeremo qualcosa.

4) Sei indubbiamente il personaggio più rilevante della scena progressiva italiana negli ultimi 10 anni ma certamente le tue bands sono assai più conosciute all'estero che da noi, pensi che finalmente sia possibile raccogliere frutti in termine di popolarità anche in Italia o sei pessimista al riguardo?

Non sono nè pessimista ne ottimista, io continuo a lavorare, se questo mi porterà a raccogliere dei frutti anche in Italia sarà bello ma al momento sinceramente non ci penso.

New album for one of the most celebrated progressive italian bands.
Less metallic than their previous "Forget the colours" this album will surprise many adventorous listeners.

Due chiacchiere con Alessandro Seravalle:

1) Garden Wall è un moniker storico del progressive italiano. Riusciresti in breve a descrivere l'evoluzione musicale e artistica di GW nel corso degli anni?

Con facile autoironia potrei dirti che storicità e vecchiaia vanno di pari passo...già "Principium" è uscito qualcosa come 12 anni fa,,,mi pare incredibile...in ogni caso ii GW sono partiti da posizioni molto prossime all'approccio sinfonicheggiante di tanti gruppi new-prog dell'epoca sebbene, in realtà, sia stata sempre riscontrabile una certa ricerca armonica (vedi l'uso abbastanza massiccio della scala esatonalle ed altre soluzioni non molto convenzionali in ambito rock).
"Principium" (1993) è un album volutamente eterogeneo, nel quale abbiamo provato a spaziare asll'interno di soluzioni musicali distanti anche se legate tra loro, "Path of Dreams" (1994) segna una sorta di radicalizzazione dell'approccio sinfonico di allora, è un disco profondamente romantico che ha portato il gruppo ad una sorta di limite, l'unica soluzione per non ripetere noi stessi era quella di cambiare direzione, ed ecco che con l'innesto di Camillo Colleluori alla batteria (a costituire quella che tra noi chiamiamo "la zoccola dura del gruppo") e lo spostamento verso sonorità decisamente più aggressive e sperimentali hanno portato a "The Seduction of Madness" (1995). "Chimica" (1997) nasce invece da una sorta di interpolazione
tra lo stile di "Seduction" e quello di "Path of Dreams", lo sforzo compositivo di "Chemotaxis", una suite di oltre 33 minuti, rappresenta un altro limite, era nuovamente tempo di cambiare strada...nel 2001 esce "Forget the Colours", il primo dei nostri dischi per Mellow: è senza dubbio alcuno il nostro disco più sperimentale, più duro e ostico e segna l'abbandono di un certo tipo di vocalità precedente che, pur avendo un afflato teatrale, rimaneva nei canoni della vocalità rock.
Nascono le "heart-felt emissions" e il ruolo di uno sperimentalismo armonico legato alla musica accademica del Novecento si fa più presente anche se disciolto in soluzioni timbriche di estrema violenza fonica che fanno parlare a taluni di uan sorta di experimental prog-death metal...

2) Il nuovo Towards the silence come si pone nella discografia dei GW?
E' l'evoluzione del precedente o qualcosa di nuovo?

"Towards the Silence" segue il solco del precedente ma presenta una linearizzazione dell'elemento compositivo. I brani sono più "semplici", meno intricati, in un certo modo più diretti e vicini alla dimensione live. Da un punto di vista lirico (elemento che costituisce il 50% dell'universo artistico gardenwalliano) i due dischi per Mellow sono il top, credo, come poeta e cantante, oltre che come compositore, di aver raggiunto qui una maturità artistica senza precedenti sebbene molti fans del gruppo restino più legati a dischi come "Path of Dreams" (che resta il nostro disco di maggior successo, se si può parlare in questi
termini).

3) Come si pone la musica dei GW nell'ambito di una situazione progressiva in Italia che progressiva non è per nulla? La difficoltà di inquadrare la musica dei GW è allo stesso tempo un atto di coraggio o un suicidio commerciale? Come vedete il futuro per questa musica?

Ho sottolineato più volte, spesso creando polemiche al di là delle mie intenzioni, la stagnazione della scena progressiva mondiale, il fenomeno non va circoscritto alla sola Italia. Noi facciamo quel che facciamo senza porci mire diverse da quelle del risultato artistico (e terapeutico, ma qui dovrei aprire una parentesi troppo lunga), di conseguenza non parlerei nè di suicidio commerciale e neanche di atto di coraggio. Le cose escono così perchè noi siamo così, in evoluzione,
preda di una lacerazione spirituale, se mi passi il termine, che ci conduce in modo quasi inevitabile a produrre questo tipo di cose. Saremmo poco credibili se provassimo a cavalcare l'onda e a proporci con intenti di mercato, è questione di essenza...semplicemente non saremmo capaci di fare cose, chessò, alla Muse. Il futuro non è roseo,
non solo per il rock progressivo, ma per tutte le forme d'espressione artistica, ormai le band pongono al centro dei loro interessi i quattrini, anche le band underground ragionano ormai quasi tutte in questi termini. Ciò non può che portare all'inaridimento di ogni tensione etica da sempre connaturata all'espressione artistica...del resto l'espressione artistica, se vogliamo continuare a usare questa terminologia, è specchio dei tempi funesti nei quali viviamo.

4) Cosa vi attendete da "Towards the silence"? Avete intenzione di rappresentarlo live?

Niente. Speriamo solo che alcune anime entrino, come accade, in risonanza con il nostro messaggio, che le nostre paure, le nostre ansie e il nostro dolore possa espresso e per ciò stesso indebolito possa aiutare qualcuno a superare il suo travaglio interiore...ricevo spesso delle mail di questo segno e ciò mi corrobora e mi convince che sono nel giusto perseguendo questo approccio, se vuoi, magico-mitico-spirituale. Questione live: tenere in piedi un repertorio
come quello dei GW richiede un lavoro costante in quanto i brani sono di non facile esecuzione, lavorare costantemente con l'ottica di riuscire a fare, al massimo, tre o quattro concerti all'anno ci appare ormai come un ingiustificato spreco di tempo e di energia, per cui la decisione che abbiamo maturato e di dedicarci alla produzioine discografica. Per assaggiare il sapore del palco abbiamo creato una band comprendente 3/4 dei GW chiamata BURNIN' DOLLS (io suono il basso
e c'è un cantante più canonico) con la quale, oltre a realizzare alcuni brani di marca tecno-metal di Raffaello Indri, suoniamo cover di classici rock (dai Led Zeppelin ai Black Sabbath, da Hendrix ai Judas Priest. passando per Jethro Tull, Deep Purple, AC/DC etc...). Come ben sai le cover band sono le uniche in grado di avere un'attività live un minimo costante...è increscioso ma è così, inutile non tener conto dei dati di fatto.

Third album for this band from Turin (first 2 were private pressings). The music is deeply in the seventies (you can hear LE ORME influences here and there) but the band is in constant search for new sounds and direct communication with the public.

Un breve incontro con Maurizio Galia, leader della band:

1) Con "(ec)citazioni neoclassiche" siete giunti al secondo vero lavoro; quali evoluzioni ci sono state nel sound della band e in cosa il nuovo album differisce maggiormente dall'esordio di "Ziqqurat nel Canavese"?

Cambiamenti di tecnica e di linguaggio.
Devi sapere che le registrazioni sono cominciate nel febbraio 2001 e sono state supervisionate da Raoul Caprio. Inizialmente doveva essere un progetto pubblicato dalla Kaliphonia, ma poi, l'evoluzione dei brani ha suggerito un risultato più consono alle idee di Mauro Moroni. Raoul è rimasto un buon amico e con grande gioia ho trovato il sostegno di Mauro che mi ha scritturato per la sua etichetta.
Rispondendo alle reali differenze con il primo album è presto detto: Ziqqurat aveva i pregi e i difetti del disco d'esordio; tante cose messe insieme che spesso non andavano d'accordo. Anche se sono orgoglioso di quel disco, ho ritenuto opportuno eliminare tutte quelle cose troppo "pop" tipiche di quell'album.
Tecnicamente invece, ho provveduto a migliorare le prestazioni di tutti:
adesso abbiamo un buon batterista, abbiamo affidato gli assoli di chitarra ad un chitarrista bravissimo come Marco Giacone, mentre Nicola Guerriero, il mio chitarrista di sempre ha preferito curare la pre-produzione e tutte le chitarre di base.
Mentre ho confermato le collaborazioni con Dino Pelissero al flauto e Bruno Giordana al sax ( collaboratore di Roby Facchinetti), due grandi musicisti.

2) Domanda di rito: quali sono state le influenze maggiori dei musicisti della band e perchè oggi suonare progressive music e in un pease esterofilo come il nostro?

Le nostre influenze sono molte e difficili da elencare:
ovviamente, anche se io, Nicola ed Enrico Testera (il nucleo storico) abbiamo gusti diversi siamo sempre legati ai Pink Floyd che sono e restano i nostri maestri.
Poi in misura maggiore Genesis e tutti i grandi dei primi '70, Peter Gabriel, Le Orme, Lucio Battisti, Franco Battiato.
Ci tengo a precisare che, a differenza di molti gruppi "progressivi" noi amiamo molte cose degli anni '80; nessuno ci tocchi Ultravox, Japan, Simple Minds e soprattutto per Enrico i Talking heads e.... disgustatevi se volete; tutta la Soul music anni '70.
Perché suonare progressive oggi? Vedi, ti rispondo in modo personale; Io ed i miei compagni siamo gente che fa un discorso musicale genuino da sempre. Ci troviamo suoniamo, ci divertiamo e la nostra creatività la offriamo al pubblico.
Proprio perché siamo musicisti part-time ci riteniamo fortunati; da sempre facciamo solo quello che ci piace, ci siamo riusciti sempre e comunque.
Ascoltiamo molto quello che succede; siamo affascinati da gruppi come i Porcupine Tree oppure i Radiohead perché sono professionisti che lavorano come noi che invece siamo solo amatori. Quando abbiamo ascoltato questi nuovi gruppi anni fa, abbiamo capito subito che la genuinità paga.

3) Cosa ti proponi di raggiungere con questo nuovo lavoro?

La possibilità di farne subito un altro, meglio suonato e meglio registrato.
In questi giorni stiamo provando nuovo materiale, anche se vogliamo promuovere il disco con amore e professionalità, noi guardiamo sempre avanti!
Parlando di vendite, mi propongo l'obiettivo che Mauro sia soddisfatto di averci investito e nulla di più, perche questo mi darà certezza che lui, oppure chiunque dopo di lui, mi darà fiducia. Ovviamente, sono consapevole di tutte le difficoltà di mercato e non mi illudo, ma ti assicuro che il nostro sostegno sarà tenace.

4) Pensi di riuscire ad organizzare qualche concerto live?

Lo stiamo già facendo e le date si sapranno dopo la pubblicazione del disco.
Saranno poche date, ma in posti buoni, tipo auditorium e teatrini, non birrerie!!!

5) In conclusione quale futuro vedi per questa musica?

Sono pessimista a breve termine, ma ottimista a lungo termine.
Passata la crisi di vendita del disco e magari perfezionandosi i nuovi media come I-tunes o simili, il mercato discografico saprà trovare il modo di vendere in modo diverso la musica e torneranno i profitti. Giocoforza l'IVA sui dischi verrà abbassata e molti scopriranno il piacere di comprare prodotti con testi e copertine curate.
Il progressive che da sempre si propone come unione di musica e immagine verrà definitivamente premiato.

Risponde Massimo Necchi, da sempre anima del gruppo:

1) I MN sono da sempre considerati nell'ambito prog come un gruppo atipico, come vi posizionate nel calderone progressive comunemente inteso?

Sinceramente non abbiamo mai pensato ai mary newsletter in relazione ad altri gruppi o ad un genere "codificato".
Quello che abbiamo sempre fatto in questi anni è stato, semplicemente, suonare quello che ci sentivamo in quel momento.
Non abbiamo mai programmaticamente deciso nulla; ovviamente i nostri ascolti e i nostri interessi hanno avuto un gran peso nella definizione del nostro suono: così, ad es., "Del perduto coraggio" e "L'attenzione debole" sono chiaramente influenzati dall'ascolto di gruppi quali Radiohead e CSI e dall'interesse verso alcuni software di produzione musicale.

2) Quali sono le differenze principali tra l'ultimo lavoro ed i precedenti?

Partendo da "Distratto dal sole" e arrivando a "L'attenzione debole" penso che si possa scorgere una sorta di "linea evolutiva": il primo disco è la realizzazione di tutte le idee che avevamo avuto fino a quel momento;
volevamo sfruttare fino in fondo la possibilità di registrare un disco e abbiamo messo tutto quello che avevamo sempre solo sognato. Tutto questo, unito a una notevole inesperienza, ha portato a un disco, secondo noi, decisamente sovraprodotto. La reazione naturale a questo è stato "Del perduto coraggio", un album vuoto, minimalista, dove ogni singolo suono ha importanza. "L'attenzione debole" può essere visto come il giusto compromesso, il raggiungimento di una nostra "pace".

3) E' sempre più difficile suonare live, avete soluzioni o proposte da indicare?

Sinceramente no, anzi se qualcuno ha delle soluzione ce lo faccia sapere.

4) Quali sono i progetti futuri?

Nell'ultimo anno abbiamo avuto un cambiamento di formazione notevole: abbiamo un nuovo tastierista, Gabriele Scarparo, e un nuovo cantante, Andrea Piccolini; questi cambiamenti hanno portato nuova linfa vitale al gruppo e, sicuramente, faranno sentire il nostro peso anche nella definizione del nostro suono...stiamo già scrivendo dei nuovi brani, non basta che aspettare
per vedere i risultati!

• Releases 2004

This band is nowadays the most popular italian progressive group among progressive fans, due to two top-seller albums "MDC" and "Il grande labirinto". Leader Fabio Zuffanti once again has succeeded in creating an ambitiuos and eclectic form of progressive rock, mixing instrumental and songs in the vein near the classic italian seventies symphonic bands such as Museo Rosenbach, Biglietto per l'inferno or Alphataurus or even VDGG.
Maschera di cera's enthusiasm and generosity on stage are plain to fill in this splendid live album, recorded in Belgium during an european tour.

Tre domande a Fabio Zuffanti:

1) cosa cambia tra un disco in studio e un concerto? Come vengono presentati i brani live?

La situazione live è molto più sanguigna che su disco dove, per forza di cose, dobbiamo cercare di fare un lavoro preciso e ben attento a molti particolari. In concerto invece dai in un paio d'ore tutta l'energia e cerchi di comunicare a più persone possibile il senso della musica che suoni, forse ancora più che su disco. Il momento live per MDC è importantissimo, è una sorta di rituale in cui possiamo tirare fuori il meglio.

2) che ti è rimasto impresso del concerto presentato sul CD?

Il calore del pubblico, veramente scalmanato. E poi vedere dei belgi che
cantano in coro tutti i pezzi in italiano fa un bell'effetto.

3) Quali sono i programmi futuri della MDC?

Per ora stiamo lavorando ai pezzi e agli arangiamenti per il nuovo disco e stiamo facendo un lavoro certosino cercando di limare alla perfezione tutti i particolari per fare uscire al meglio un disco che vogliamo sia la pietra miliare della MDC. Per il resto cerchiamo di fare più concerti possibile, come dicevo sopra il live show è il terreno di MDC, il campo di battaglia in cui ci sentiamo più a nostro agio.

MMP 455

CONTRAPPUNTO

Elegie d'inverno

Elegie d'inverno is the Contrappunto project's third work in 5 years. This new album is very different from the others, you can't find typical progressive rock elements or vocals as on Subsidea and Lilith. Here you can listen to complicate instrumental textures mainly between acoustic instruments that remind XXth century contemporary music like Stravinskij, Gershwin and Piazzolla. Mixed with these instruments you can also listen to modern keyboards and sampled sounds....This mixing gives an idea of a very innovative and "progressive" sound!!

Alcune domande ad Andrea Cavallo:

1) Che è successo dopo la pubblicazione del secondo album?

Il secondo album era già stato concepito come un progetto a termine, non era sicuramente corretto parlare di una band. Il concetto di band appartiene solo al primo disco, "Subsidea". Era chiaro che quindi dopo Lilith ciascuno avrebbe preso la propria strada.

2) Quali sono stati i riferimenti principali ispiratori di Elegie d'autunno?

Da tale split chiaramente ognuno ha tratto le proprie esperienze. Personalmente ho cominciato ad interessarmi ad un nuovo modo di fare musica che non attiene necessariamente al genere che si propone ma più che altro ad una diversa concezione nel comporreche, chiaramente influenza successivamente anche il risultato. Musica che quindi viene concepita brandello per pbrandello, nota per nota, non c'è più l'approcciodel musicista rock tradizionale che ragiona per accordi, riff, soli ecc ecc. In questo chiaramente c'è un modo di ragionare vicino ai compositori di musica colta e quelli a cui mi riferisco sono quelli del XX secolo, da Stravinskij a Gershwin, Da Debussy a Piazzolla.

3) Credi che il pubblico sia preparato a recepire un prodotto che esula dai soliti canoni?

Beh credo che "il pubblico" sia un concetto molto vasto. Credo però che la ricettività sia la prima caratteristica del pubblico che segue il progressive, o quantomeno che sia la prima caratteristica di una parte di tale pubblico. Non è un caso che i pochi personaggi del settore che hanno sentito il disco in anteprima siano rimasti positivamente impressionati anche ad un primo ascolto.

4) Pensi che il progetto possa avere un seguito e che si possa assistere a rappresentazioni live?

Questo dipenderà esclusivamente dall'aiuto delle strutture di settore. Il musicista scrive musica perchè per lui si tratta di un'esigenza prima di tutto, specie quando non c'è, come in questo caso, nessuna velleità di grande pubblico. Se poi le etichette discografiche gli danno la possibilità di pubblicare e le riviste e/o le associazioni culturali gli danno la possibilità di suonare dal vivo chiaramente il discorso è più completo e gratificante. Viceversa il musicista continua a comporre musica a casa sua, non so se mi spiego.

MMP 461

TAPROBAN

Outside nowhere

This time the trio presents a concept (at least, semi-concept) album dedicated to the heroes of space exploration. Of course, the space themes are the essence of the album, and the music is mostly Symphonic Art-Space Rock, though the bits of a few other genres are present on the album as well. At the Fifteenth Orbit (1) is short and is an introduction to the following events rather than a separate composition. However, the second track, which also gives the title to the album, is 19 minutes in length and is an outstanding musical representation of a space odyssey. This composition features a very impressive guest musician playing saxophone, Alessandro Papotto (of Pereferia Del Mondo). In my view, this is the best track on the album. Il difficile equilibrio tra sorgenti d'energia (4) sounds like a simplified version of one of the latest songs by Peter Hammill. Nexus (8) is another excellent composition. Located at very end the album, it sounds rather nostalgic and sad and is the proper conclusion of it. The last words uttered by Russian cosmonaut Vladimir Komarov, who crashed to the ground with the Soyuz-1 spaceship after it orbited the Earth fifteen times, are playing as a background here. On the other tracks the music reminds me of some of the ambient albums by Rick Wakeman. The sound is almost exclusively based on the parts of synthesizer and other electronic keyboards. In all, "Outside Nowhere" is a merely good album
(Vitaly Menshikov)

Alcune domande alla band:

1) Quali sono le differenze più evidenti tra i Vs. 2 lavori?

Beh, la differenza più eviidente riguarda l'approccio che abbiamo avuto coi due lavori.Quando uscì "Ogni pensiero vola"il gruppo attuale si era formato da poco tempo e le maggior parte della musica era stata già approntata da Gianluca, mentre "Outside Nowhere" è frutto di un lavoro più d' equipe.
C e' pero' da dire che alcune cose di "Outside Nowhere" erano gia' pronte ai tempi di "Ogni pensiero vola", il quale essendo a struttura tipicamente concept, e riguardante un parco creato qualche secolo fa da Pierfrancesco Orsini, doveva per forza di cose avere una struttura compositiva ben specifica al riguardo. Credo che cio' sia stato un po' "deviante" riguardo a quello che suoniamo normalmente. Esordire con un lavoro come "Ogni pensiero vola" puo' aver dato un'immagine di noi non perfettamente calzante.

2) Quali bands vi hanno influenzato maggiormente?

Direi un pò tutto il rock italiano dei 70 dalle Orme al Balletto ai Goblin.
Per i gruppi stranieri citerei sicuramente Genesis Jethro Tull e Yes.Poi all'interno del gruppo ci sono alcune "correnti alternative"che portano ai Beatles ai Queen agli Uriah Heep ai Radiohead ed a tanti altri ancora; fondamentalmente se si tratta di buona musica, l'etichetta conta poco!

3) Che opinioni avete del progressive di oggi? Vi piace qualche band in particolare?

Contrariamente a quanto si dice (e a quanto si legge) secondo noi il progressive oggi non è messo affatto male:sono migliorati in primis i gruppi, tanti, e con tante caratteristiche diverse fra di loro, quando solo dieci anni fa giravano pochi nomi (Ezra Winston, Arcansiel etc..).E' soprattutto migliorata la proposta musicale, sicuramente più professionale e ispirata, ovviamente parliamo dei gruppi migliori del panorama progressivo, tra questi sicuramente La Maschera di Cera, i Moongarden (secondo Davide "The gates of Omega" è un discone!!!) gli Areknames, mentre dei gruppi storici credo che i soli King Crimson portino avanti un discorso realmente progressivo.

4) Cosa suggerite per riuscire a suonare dal vivo?

La situazione e' quella di sempre: su 100 locali 99 eseguono solo cover ed uno ti fa suonare (almeno una volta!)quello che vuoi tu: la proposta musicale, i problemi logistici, la parziale ottusità degli ascoltatori (e dei gestori!!!) sono da sempre handicap superiori per un gruppo che suona prog piuttosto che per un altro: le occasioni per esibirsi in condizioni normali sono poche per non dire nulle: tutto questo dovrebbe paradossalmente tranquillizzare una persona che ascolta un gruppo come il nostro: suoniamo insieme solo per l'enorme passione che lega il nostro progetto, e non certo per interessi.

5) Programmi futuri?

Stiamo approntando il materiale che farà parte del nostro terzo disco; dovremo essere pronti per andare in sala di
incisione verso la prossima primavera:
Differentemente dai dischi precedenti stiamo sviluppando un processo compositivo legato a improvvisazioni molto più
che in passato; inoltre Davide è uscito pazzo!!! Ha scritto tutti i testi di quello che sarà una sorta di concept sulla discesa nell' inconscio visto però sotto una forma metaforica particolare: un progetto che ci stà veramente prendendo! più a lunga scadenza vorremmo autoprodurre un dvd con una nostra esibizione, non dal vivo ma in un qualche posto ove la nostra musica possa trarre giovamento.

MMP 469

ZAAL

La lama sottile

Qualche domanda a Agostino Macor:

1) Quali sono le fonti ispirative di La Lama sottile?

Il concept fa riferimento alla trilogia di Pullmann, in cui la lama sottile è uno strumento per passare da uno all'altro mondo parallelo. Così nel disco confluiscono jazz-rock, progressive, jazz, elettronica, minimalismo ed echi impressionistici in una commistione di stili e stilemi. I riferimenti più o meno diretti: Soft Machine, Weather Report, Mauro Pagani & Area, Perigeo, McCoy Tyner, i primi Brand-X, ELP, Debussy e Satie, Genesis.

2) Tu suoni in diversi progetti, come riesci a portare il tuo apporto in ciascuno di essi ovvero hai qualche preferenza per qualche tipo di musica in particolare?

Ogni progetto rispecchia la mia passione per quel genere di musica; sono lavori molto distanti fra loro e per me tutti importanti perchè mi danno la possibilità di esprimermi con quel particolare linguaggio: il prog (Maschera di Cera), il post-rock (laZona), il "nu-prog" (i nuovi Finisterre), il jazz-rock (Zaal), l'elettronica (a.m.p. e synthEtica) sono i miei generi preferiti.
Le collaborazioni (Hostsonaten, Merlin) sono scelte isolate.

3) Pensi che ZAAL rimanga un episodio isolato o vorresti presto dargli un successore?

Ho intenzione di proseguire il discorso Zaal non appena possibile

4) E' difficilissimo suonare live, hai qualche soluzione in merito? Potremo mai vedere ZAAL live?

Ritengo che il live sia molto difficile da gestire bene perchè penso che si debba dire qualcosa in più rispetto al disco, affiancare all'energia e all'immediatezza del concerto un lavoro di arrangiamento sostanziale.
Per Zaal ho intenzione di comporre una formazione che mi dia la possibilità di eseguire anche le parentesi più "cameristiche", quindi sarà una line-up aperta e tutt'altro che tradizionale: spero di concludere questa fase al più presto e di cominciare l'attività live di Zaal.

MMP 446

GIARDINI D'AUTUNNO

Frammenti di idee perdute

ALCUNE DOMANDE A TIZIANO REA:

1) Come nasce il progetto Giardini?

Nasce per caso: nel 2001 ho cominciato a scrivere brani senza pensare ad un album o ad un progetto preciso.
Questi brani furono molto apprezzati e così decisi di apportare delle modifiche e nacquero i Giardini D'Autunno

2) Quali sono le tue influenze musicali e che ne pensi dell'attuale scena progressiva italiana?

Stimo particolarmente i King Crimson e i Deep Purple ma molta importanza hanno avuto per me anche i Goblin, gli Who, i Creedence Clearwater Revival, Bruce Springsteen e soprattutto Jerry Lee Lewis.
Credo sia difficile definire l'attuale scena progressiva italiana, c'è chi la giudica positiva chi mediocre.
Se la verità sta nel mezzo allora penso che di sicuro il prog in Italia ha avuto negli ultimi anni delle giovani promesse molto interessanti ma bisogna sempre ricordarsi che le promesse andrebbero mantenute e questo purtroppo non sempre avviene.

3) Pensi di dare un seguito all'album o le tue attenzioni sono attualmente rivolte ad altri progetti?

Attualmente le mie attenzione sono rivolte ad altro.
Ma non appena avrò finito il mio disco solista (per modo di dire, visto che ci sono parecchi ospiti) prenderò in seria considerazione la realizzazione del nuovo album dei Giardini, visto anche che di materiale nel cassetto ne ho davvero molto

4) Tu sei anche un organizzatore di concerti prog, hai soluzioni per risolvere il cronico problema della mancanza di opportunità live per chi suona prog?

E' un po' difficile rispondere brevemente a questa domanda...
In Italia a seconda della zona in cui ci troviamo ci sono problematiche di vario genere.
Alcune sono prettamente ideologiche, altre sono di natura strettamente economica.
Conosco band che fanno cover a nord italia che vengono pagate anche 500 euro per una serata, mediamente invece una band che fa brani propri (specie se di genere Prog), in Italia, viaggia sul filo del rimborso spese che, nella migliore delle ipotesi, non supera i 300 euro.
Questa ad esempio è una tendenza che andrebbe immediatamente invertita.
Penso che comunque una soluzione, per quanto utopica e quindi impossibile, sia auspicare una maggiore unione da parte di tutti, dai musicisti agli ascoltatori.
Inoltre bisognerebbe cercare di concentrare gli sforzi (di chi organizza) nel rendere gratuiti gli ingressi.
Preferirei quindi pagare di persona il gruppo e rendere gratuito l'ingresso, di sicuro avrò una presenza di pubblico maggiore, ed anche meno esigente.
Se poi sono costretto a pagare l'affitto del locale allora la cosa assume toni a dir poco grotteschi e in tutta sincerità preferisco lavarmene le mani.
Inoltre sarebbe auspicabile un aiuto da parte di glorie più o meno vecchie del mondo della musica (prog ma anche leggermente distanti dal prog) che però purtroppo sembrano troppo impegnate a ricoprire un ruolo di irragiungibili rock star.

5) Ritieni di avere sufficienti flussi creativi per impegnarti in così tanti progetti?

Non saprei, probabilmente è così ma più che di "flussi creativi" parlerei di voglia.
Se ho voglia, cioè, di organizzare concerti, registrare dischi, suonare in giro, scrivere per una rivista di musica etc. Evidentemente ho molta voglia di fare delle cose.
Certo bisogna anche avere lo stimolo giusto, l'intuizione o l'ispirazione, però ad esempio quando compongo un brano può succedere che sia ispirante anche solo un suono o magari addirittura un errore di esecuzione.
Come pure mi è capitato di cominciare a comporre dei brani partendo da un'idea che poi nella stesura finale è risultata completamente scomparsa.
Quindi l'ispirazione, o flusso creativo che dir si voglia, in realtà si nasconde dovunque e non credo sia giusto cercare di domarla.
La presenza di un oggetto, di un suono, di un profumo o di una qualsiasi cosa apparentemente estranea a noi stessi non deve quindi essere vista necessariamente come un ostacolo al proprio flusso creativo.

The title track combines and resumes in itself the "prime criteria" of the band, as far as composition is concerned; contrived structure, powerful sounds, and a delicate touch of celtic folk, related to a peculiar airy-fairy atmosphere, capable of warming up the coldest prog-rock hearts. Creativeness and, last but not least, a superior audio quality, make of "Prime Substance" a record which cannot be missed by the "aficionados" of the "genre".

MMP 427
ZAQ
ZAQ

Nati dalle ceneri degli Aria Palea, uno dei gruppi più originali del prog italiano degli anni ’90, gli Zaq esordiscono con un album di raffinatissimo jazz-rock strumentale, che solo in minima parte mostra punti di contatto con l’esperienza precedente. “Zaq” comprende otto composizioni snelle ed agilissime, con una sezione ritmica sfavillante - eppure basso e batteria figurano spesso in primo piano impegnati anche in un eccellente lavoro solistico - mentre flauto e tastiere si inseguono, intrecciandosi ed alternandosi alla guida dei brani. Tecnica e cuore vanno di pari passo in un lavoro che unisce reminiscenze del jazz d’avanguardia inglese dei seventies (Canterbury a tratti sembra dietro l’angolo), fusion e vellutate melodie mediterranee. Il rock progressivo italiano si arricchisce di un altro gioiellino grazie al sound vivace, impetuoso e passionale degli Zaq.
PEPPE DI SPIRITO

MMP 438

TILION

Insolitariamente

MMP 440

Dances on Gobelins

X Religion is Albert "AlBird" Khalmurzayev (analog and digital keyboards, piano and guitar), Valery "Ptero" Vorobjov (Yamaha electric drums and Sabian cymbals) and none other than Vitaly "Progressor" Menshikov (bass and acoustic guitars).
Vitaly hates comparisons to other bands, but since I find them helpful to get a general idea of what a band sounds like, I'll indulge in a few comparisons anyway. X Religion is a power keyboard trio, so comparisons to ELP will be inevitable. Some sections really do remind one of ELP, (but with a much better bass player and no vocals), but by no means all of it. Other parts have a more Canterbury influence, sounding a bit like Dave Stewart during his National Health days, but will then suddenly become more laid back, delicate and beautiful like Greenslade. In addition to these progressive roots, bits and pieces of Russian classical influences sometimes swell up, making one think they're about to paraphrase Moussorgsky or Prokofiev, only to have it veer away and not be that at all. In all, they exhibit an original and unique style that grows more interesting with each successive listen.
Fred Trafton

The title track combines and resumes in itself the "prime criteria" of the band, as far as composition is concerned; contrived structure, powerful sounds, and a delicate touch of celtic folk, related to a peculiar airy-fairy atmosphere, capable of warming up the coldest prog-rock hearts. Creativeness and, last but not least, a superior audio quality, make of "Prime Substance" a record which cannot be missed by the "aficionados" of the "genre".

MMP 433

LA ZONA

Le notti difficili (ITALY)

http://www.zuffantiprojects.com/lazonaweb/index.htm

Attivissimo da quasi un decennio sulle scene progressive, Fabio Zuffanti ha avuto modo di mostrare tutto il suo eclettismo in svariati progetti: dapprima i Finisterre, una delle più apprezzate prog-bands degli anni '90, poi gli Hostsonaten, con i quali si è cimentato in un elegantissimo rock romantico, in seguito la rock-opera "Merlin", la Maschera di Cera, immersa nel sound italico degli anni '70, ed infine lo sperimentalismo elettronico-rumoristico del Quadraphonic. Ma Fabio non smette di stupirci e conferma la sua poliedricità con Lazona, gruppo attraverso cui va ad esplorare quel filone denominato post-rock. Quattro lunghe composizioni strumentali formano questo lavoro e si contraddistinguono per una musica rallentata, ipnotica, tranquilla e d'atmosfera, con raffinate pennellate di chitarra (di tanto in tanto si avverte la presenza del fantasma di David Gilmour), indovinati inserimenti di tromba e penetranti ritmiche percussive. Ma queste sonorità, quasi spacey, vanno spesso in continuo crescendo, fino a raggiungere quelle esplosioni strumentali impetuose e tipiche di gruppi come Godspeed You Black Emperor! e Mogwai. Esperimento riuscito! "Le notti difficili" è un cd ispirato, intrigante, denota grande fascino e mette in luce l'ennesimo risultato positivo raggiunto da Zuffanti, che riesce a figurare come pregevole compositore anche in un tipo di musica ben lontano dai lidi su cui è solito operare.

Peppe Di Spirito

MMP 437

ONZA

Zona Crepuscolar (SPAIN)

http://webs.ono.com/usr012/ONZAWEB/

Dalla Spagna, un album fresco e vivace realizzato da un quartetto dalle grandi potenzialità, che riesce ad coniugare al meglio il verbo sinfonico ricco di magie strumentali e la tradizione iberica. Brani variegati e di grande intensità, a volte complessi, a volte più semplici, in cui chitarra (sia elettrica che acustica), tastiere e flauto si intrecciano riprendendo certi insegnamenti dal passato. Si avvertono così dei rimandi che possono far tornare alla mente lo stile mediterraneo della PFM, ma che non perdono il contatto con la propria terra, grazie a spunti non distanti dal flamenco, ereditati dai padri progressivi spagnoli degli anni '70. Le belle melodie vocali, cantate in madrelingua e che danno un ulteriore contributo a sottolineare lo spirito latino, sono un altro punto di forza di un album di notevole spessore. Finalmente trovati i nuovi Mezquita?

Peppe Di Spirito

MMP 443

LA MASCHERA DI CERA

Il grande labirinto

Ad un anno di distanza dall'acclamato debutto, la Maschera di Cera si ripresenta al pubblico progressivo con un altro album che farà parlare molto di sé in termini positivi. Pur mantenendosi legati agli anni '70 e ad una musica dai tratti oscuri, Zuffanti e compagni tendono stavolta a rinnovare un po' il loro sound. Ed ecco, così, che se si avvertono ancora le influenze degli storici gruppi italiani dei seventies, non tardano a farsi ascoltare momenti più sperimentali ed altri non troppo lontani da quanto fatto da Finisterre e Hostsonaten (non a caso è presente anche la terza parte de "La ballata del vecchio marinaio"). Insomma, la Maschera di Cera sembra aver trovato l'ideale combinazione tra vecchio e nuovo in un rock sinfonico di grandissimo valore ed in lunghi brani caratterizzati da parti strumentali epiche e ricche di tensione e da un ottimo cantante che dà un contributo non indifferente. "Il grande labirinto" rappresenta l'ennesima dimostrazione dell'enorme qualità del progressive italiano.

Peppe Di Spirito

MMP 442

GROOVECTOR

Enigmatic elements

Dopo il buon riscontro dell'esordio "Ultramarine", la seconda fatica discografica di questa band finlandese mostra dei musicisti pronti a stupire nuovamente. Abbandonate, in parte, le atmosfere romantiche guidate dall'organo Hammond e dalle tastiere in generale, i Groovector cambiano rotta mantenendo elevatissima la qualità della musica. Innanzitutto si può notare un ammodernamento dei suoni, rinunciando al vintage del precedente cd ed offrendo timbriche più attuali, esaltate dall'accurata produzione. L'andamento ritmico è sempre variegato e favorisce le dinamiche più varie con continui intrecci tra la sei corde (più presente rispetto al debutto) e le tastiere, ben contornati dall'eleganza del sax. Si deve anche menzionare la presenza del cantato, con belle melodie vocali che ben si inseriscono nel contesto generale. Stilisticamente ci troviamo di fronte ad un prodotto variopinto, che passa da soluzioni romantiche a ballate caratterizzate da impasti elettro-acustici, da brani non distanti dal jazz-rock a canzoni vivaci con spruzzate funky, il tutto con una classe ed una raffinatezza fuori dal comune. Si prevedeva un grande futuro per i Groovector e questo cd, contraddistinto da un lavoro di contaminazione non indifferente, è la migliore conferma di tali previsioni.

Peppe Di Spirito

MMP 430

ANCESTRY

Discendenze

Questo è uno di quei lavori che dimostra come anche ai nostri giorni si possa realizzare un rock sinfonico di buona qualità. Gli Ancestry riescono a proporre una musica che sembra la giusta via di mezzo tra la solennità di ELP ed il romanticismo dei Genesis. Le tastiere classicheggianti e la chitarra sognante sono le attrattive principali di "Discendenze", album da cui affiora un'aura fiabesca in lunghi brani che regalano sorprese grazie ai continui cambiamenti ritmici. Inoltre, gli Ancestry riprendono anche quella mediterraneità tipica del prog italiano vecchio e nuovo: raffinati temi musicali, piacevoli melodie e cantato in madrelingua sono eredità di grandi artisti quali Banco, PFM, Locanda delle Fate, ma anche prosecuzione di quanto fatto non molto tempo fa da Divae, A Piedi Nudi e Prowlers.

Peppe Di Spirito

MMP 347